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 | Venezuela: [pos]vanguardia en El coronel no tiene quien le escriba |
Juan Martins | www.TeatroMundial.com, Venezuela
Vengo tratando de establecer una definición poética del público como elemento que interviene en esa relación que se establece una teoría de los significados para un análisis más objetivo a la la hora de interpretar una obra de teatro. Esto es así si se quiere el lugar de la comunicación que se impone en todo su discurso sobre una obra como lo es «El coronel no tiene quien le escriba» de Gabriel García Márquez. Como es sabido, versionada y dirigida por Carlos Giménez para la agrupación «Rajatabla». Esto es un buen ejemplo para decir cómo interviene este público en el sentido general de un espectáculo que se repone en la cartelera después de más de una década. El resultado: aceptación del público. Vuelve a encontrarse con un gran espectáculo: se sostiene el discurso de su director con la estructura escénica. Esto no lo ponen en duda nadie cuando este público se ha levantado al unísono a aplaudir. Y eso es lo que asimila en ese contexto el espectador: coherencia y estructura escénica. Una dinámica muy particular que ha sabido identificar a lo largo de estos años.
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Enviado por TeatroenMiami el Tuesday, 16 October a las 12:50:43 (1251 Lecturas)
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 | Venezuela: Media lágrima negra |
Juan Martins | www.TeatroMundial.com, Venezuela
Tengamos presente cómo se constituye lo poético sobre el discurso de la dramaturgia de Mariozzi Carmona. Creo que se está definiendo. Esto quiere decir que, en el sentido que produce ese discurso, estaríamos suscribiendo la idea de un teatro total, en tanto que el actor interviene en un proceso artístico en el que la imagen no sólo se construye desde el texto, sino desde lo que edi¬fica la representación. El actor se identifica con un nivel de la puesta en es¬cena: palabra e imagen se dan a un tiempo en aquella representación. Pero esto se compromete más con la estructura de la escena que con el hecho literario propiamente. Aquí se estrecha esa relación entre el signo verbal (el texto) y el signo no/verbal (la escena).
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Enviado por TeatroenMiami el Tuesday, 16 October a las 12:50:20 (1002 Lecturas)
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 | Venezuela: Entrevista a Alberto Ravara |
Juan Martins | www.TeatroMundial.com, Venezuela
Juan Martins: Sabemos que en esta oportunidad la VI Muestra Internacional de Teatro y Títeres en las Comunidades de Caracas, lleva consigo una frase muy particular en su cartel: «La fiesta de los invisibles». Y es un hecho curioso porque aparece en el mismo con el prefijo «in» tachado de manera que puede permitir varias lecturas. Entre ellas el hecho de que hay un teatro que no estamos viendo pero que está, en la estructura de su organización, haciendo presencia con un discurso teatral. ¿Es correcta esta interpretación en el contexto cultural del país?,¿no excluye esto a otros, aquellos, me arriesgo en decir esto, que están más cercanos a una tradicional posición teatral y de los «centros» de cultura convencionales y que por tanto gozan de mayor difusión? Es decir, conceptualmente puede tener otras interpretaciones. Y habría que establecer entonces algunas diferencias desde el punto de vista del ejercicio teatral…
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Enviado por TeatroenMiami el Wednesday, 19 September a las 22:43:54 (3565 Lecturas)
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 | Venezuela: La conciencia de un juramento o el ojo de Brecht |
Juan Martins | www.TeatroMundial.com, Venezuela
Con el espectáculo «La conciencia de un juramento». Alberto Ravara, nos propone con claridad los límites entre el trabajo comunitario y el estético. Aquí se establece en rigor ese equilibrio que para ningún artista es una tarea fácil. De hecho, considero que es un ejercicio de vida porque las fronteras de esa demarcación a veces no resulta conciliador y mucho menos facilita las cosas. Es decir, la relación entre arte e historia. Política y arte. Muchas veces ha fracasado ese intento de reunir en un mismo lugar una y otra. Pero en otras ocasiones se nos pone de manifiesto con autenticidad. Allí tenemos ese caso «extraño» y seductor de Víctor Valera Mora en una poesía identificada con lo político, con la historia y con un nivel de la conciencia política: en la que la pasión por la palabra se reduce en lo político también. Acá, en este espectáculo de Ravara, se nos reúne una experiencia similar, en tanto a una hermenéutica del arte: el artista ante una postura humana y universal que bien abarca diferentes formas de pensamiento bien sea por la vía del arte o de la historia. Con todo quiero decir que la semiótica sólo será aquí una herramienta de análisis —prefiero utilizar el término de interpretación—, pero que se consolida en el discurso más bien ensayístico cuya flexibilidad, de esa misma interpretación, me permite entender porque un esteta como lo es Alberto Ravara asume acá la postura política y el trabajo de comunidad: como se identifica con la realidad de su país: en la consolidación de un proyecto político y que éste interpreta en las modalidades del arte: sin que se deje vencer lo estético. Hecho que caracteriza a este autor escénico como hemos destacado en otras ocasiones y corroborado en otros de sus espectáculos: La guerrita de Rosendo de Gilberto Pinto, Condecorado escrita y dirigida por el mismo Alberto Ravara, El círculo de tiza con la dirección y versión libre de éste sobre la obra «El círculo de tiza caucasiano» de Bertolt Brecht, esta vez, para la Compañía Regional de Teatro de Portuguesa. Son ya ejemplos contundentes de este discurso. En este caso es un logro estético el cual lo hallamos en el discurso de casi toda su obra. En otras palabras, en el momento del «espectáculo» (al que hacemos referencia aquí), los signos se reúnen en los acontecimientos, sobre la anécdota: el discurso verbal, en sí el texto, está contenido de un acontecimiento histórico: el juramento de Simón Bolívar en el Monte Sacro cuyo testigo es su tutor Simón Rodríguez. Y es suficientemente conocido por el espectador, el cual se relaciona con una conjetura mayor: la situación política del país. Se relaciona cuando se introduce una realidad estética en otra de carácter político-social: las imágenes que se proyectan asocian lo real del espectador. Esto es, su vida, lo cotidiano y, finalmente, el país se desplazan a otro tiempo.
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Enviado por TeatroenMiami el Tuesday, 21 August a las 15:08:40 (1574 Lecturas)
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 | Venezuela: El ojo que se bifurca |
Juan Martins | www.TeatroMundial.com, Venezuela
En todo caso la crítica teatral debe ser entendida como una visión. O sea, en algún modo, la reflexión de la palabra vista exige un mínimo de disposición a la hora de descodificar un proceso de comunicación en lo que se refiere a la complejidad del teatro. Esto es, desplazar algunos instrumentos básicos que permitan descifrar signos de la pieza dramática vista, ahora obra teatral. Y fíjese que he dicho «vista». Lo que permite inferir sobre un sistema abierto de interpretaciones y, a su vez, limitar las definiciones de esa interpretación que es la crítica. Digo todo, puesto que podemos notar que cierta crítica, la cual pretenda ser tal, debe regirse del lenguaje que desea interpretar: desglosar o describir la noción delimitada de la estructura escénica y su representación que la edifica. De manera que pueda permitir al creador hallar, incluso en sus limitaciones, una nueva posibilidad de ascender en su discurso. No restringir sino registrar, evaluar, no suprimir. Es entonces cuando la crítica responde a su vitalidad conceptual: comunicar. Siempre que lo haga con las la sensibilidad del artista se incorporará al proceso del autor (léase tanto el autor del texto como aquél autor escénico que es el director) y a todos los contenidos de la representación hasta alcanzar en todos sus niveles al actor y la actriz. Siendo el actor/actriz el principal apoderado de la puesta en escena, con ello, es necesario entregarle una visión inteligente y sensible a un trabajo que requiere de espectadores cada vez más exigentes. Es a éste a quien se debe el crítico: al actor, a su público. No al discurso intencionado e insalubre de la «mala crítica», si es que se me permite utilizar este término por ahora en un acto de flagelación pública.
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Enviado por TeatroenMiami el Tuesday, 07 August a las 18:51:34 (827 Lecturas)
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 | Venezuela: La escala humana, vanguardia de la trama |
Juan Martins | www.TeatroMundial.com, Venezuela
La escala humana escrita por tres autores argentinos Javier Daulte, Rafael Spregelburd y Alejandro Tantanian es una pieza que se nos presenta en el lugar de lo fantástico, en tanto que se coloca la tensión y el drama de un asesinato en el orden del terror. Lo terrorífico subvierte una realidad sobre la otra.
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Enviado por TeatroenMiami el Tuesday, 15 May a las 14:18:38 (1085 Lecturas)
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 | Venezuela: Pronombre personal |
Juan Martins | www.TeatroMundial.com, Venezuela
Esta interpretación que descubro ahora de «Hola, tú» antecede a dos ensa-yos anteriores que he hecho en torno a su autor Johnny Gavlovski. Pienso, en el rigor de esas dos piezas estudiadas anteriormente, que nos encontramos con diferencias bien importantes. Estructuralmente una de la otra. Tal dife-rencia nos permite decir que cada una de ellas, «La bruja», «El día que ganó Susana Dujim» y, ésta, «Hola, tú» respectivamente representan, cada una por separado, un estilo y una tendencia que clasifica, en marco de estos ensayos, la obra de su autor en tres tendencias que iremos especificando en la medida que sistematicemos un estudio en torno a su obra en general y su relación con el teatro venezolano. Empecemos entonces con menos ambición y destaque-mos algunos aspectos en «Hola, tú».
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Enviado por TeatroenMiami el Wednesday, 18 April a las 12:11:14 (1610 Lecturas)
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 | Venezuela: La doble representación del juego |
Juan Martins | www.TeatroMundial.com, Venezuela
Jugando con Goya, espectáculo interactivo escrito y dirigido por José Gregorio Cabello nos muestra lo que es ya un discurso en su agrupación, «Taller de Teatro Manatí»: el hecho lúdico como elemento de enlace con el público, como estructura para el teatro infantil. Un teatro «infantil» que renueva la categoría de lo que es una obra para teatro de niños.
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Enviado por TeatroenMiami el Tuesday, 20 March a las 20:33:50 (1641 Lecturas)
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 | Venezuela: De Susana a Miss |
Juan Martins | www.TeatroMundial.com, Venezuela
En la pieza «El día que ganó Susana Dujim» de Johnny Gavlovski encontramos una tendencia en la dramaturgia venezolana: el humor como técnica en la composición de un lenguaje que instrumenta la comedia en el tratamiento del habla de sus personajes. Éstos se acarrean desde su condición urbana y de cómo a su vez se entienden con la ciudad. El lenguaje usado es, por encima de todo, teatral. Puesto que los personajes van introduciendo su vitalidad mediante esa identificación ideosincrática que se expresa en ese habla, en la manera que determinan sus vidas ante el espectador. Es decir, la estructura de esos personajes se da en el orden sintáctico, en la relación que se establece con los signos verbales y cómo se usan en la construcción del drama. El habla de un personaje en relación a otro quiere determinar su sentido con el espectador: contextualiza al público cuando lo acerca a su nivel de expresión. De manera tal que la audiencia infiere en el relato y, por consecuencia, interpreta como suya la situación. A eso me refiero cuando digo que se contextualiza. En ese momento el aspecto ideosincrático interviene en la comunicación de la obra con la finalidad de concebir un estilo en la comedia. Tal estilo de la comedia se viene desarrollando en el teatro venezolano desde los primeros textos de José Gabriel Núñez. Este sería el antecedente más importante en la compresión de una parte importante del teatro venezolano. Pero sin querer dispersar la estructura de este análisis, es necesario registrar aquél uso y saber así cómo se forja esa formalidad de la locución en la comedia como género. Y sobre todo para, ahora, consolidarse como un estilo. Hasta aquí tenemos un logro técnico para la dramaturgia venezolana: el humor se hace técnica, estructura dramática:
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Enviado por TeatroenMiami el Tuesday, 20 March a las 20:33:24 (1076 Lecturas)
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 | Venezuela: Arritmia de Leonel Giacometto |
Juan Martins | www.TeatroMundial.com, Venezuela
«Arritmia» de Leonel Giacometto. Nos presenta una postura del humor que se construye en la manera que conduce el humor, desde el texto dramático. Es decir, desde aquellas condiciones que se permiten en el funcionamiento de lo que entiende el autor por comicidad El relato teatral nos hace reír. Es cierto, pero nos hace reír en el procedimiento de las escenas, en cómo se edifican las formas del humor contenidas en el lenguaje. Hasta ahora estamos tratando de decir de qué manera se nos hace espacio escénico, de qué manera se cubre el concepto de teatralidad: una situación que, en principio tiene carácter de denuncia social, se nos exhibe en una estructura sencilla de los parlamentos: dos mujeres de avanzada edad las cuales se hallan en un geriátrico a punto de un desenlace final: no sabrán si es la muerte o el suicidio lo que tienen como final. Lo que el dramaturgo propone lo hace después de todo por medio de estos personajes: es el texto quien sugiere en los diálogos, en aquella estructura de los parlamentos. No hay complejidad en el conflicto que acabo de indicar, sino en los clímax que se plantean como momento escénico que serán interpretados por el espectador como si se encontrará ante un melodrama convencional. Al presentarse la vida cotidiana de dos mujeres que poco tienen que decirse de la vida, pero que los recuerdos son a la vez los más preciado que les queda en la vida. Incluso, poco importa que sus recuerdos sean o no ciertos. Lo serán para la realidad que han constituido para ellas:
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Enviado por TeatroenMiami el Tuesday, 20 March a las 20:30:43 (1302 Lecturas)
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 | Venezuela: María polvo de tiza, hacia un género de lo lúdico |
Juan Martins | www.TeatroMundial.com, Venezuela
María polvo de tiza de José Ignacio Serralunga, dramaturgo argentino quien escribe estas piezas dentro de lo que define como «monologo humorístico». Aquí la lo humorístico nos quiere introducir, desde el principio, con las características del género: el humor y la comicidad. Ahora bien, aquí la estructura de la comunidad se manifiesta por medio del tratamiento del lenguaje. En primer lugar qué se hace cómico ante los ojos del espectador. Aun, como ya lo sabemos, es un espectador argentino. Y esa entrada con lo del humor se da mediante el uso del habla fundamentalmente:
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Enviado por TeatroenMiami el Tuesday, 20 March a las 13:16:22 (1213 Lecturas)
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 | Venezuela: Lo que dejó la tempestad en la figura del «canto» |
Juan Martins | www.TeatroMundial.com, Venezuela
Lo que dejó la tempestad, pieza de César Rengifo y llevada a escena esta vez por la «Compañía Regional de Teatro de Portuguesa», bajo la dirección de Carlos Arroyo destaca un dominio estilístico que ya predomina como una tendencia en el teatro de este joven director. Además que es un estilo el cual se afirma con la estructura actoral de esta agrupación en cuanto a la formalidad de la actuación que impone un modo de interpretar el quehacer teatral al momento que se construye la imagen en el escenario a partir de aquellas condiciones del espacio escénico. Ahora bien, esa construcción de la imagen se elabora desde una visión si se quiere simbólica de la realidad, puesto que el símbolo es la interpretación de los signos teatrales que le son necesario para poner en escena una imagen de la historia, una mirada del acontecer histórico de la «Guerra Federal» de Venezuela, sus consecuencias en la democracia del venezolano y su incorporación dentro del momento histórico que estamos viviendo actualmente en el país. La introducción de estos elementos históricos en el quehacer teatral impone una visión cultural de esta compañía: su enfoque del contexto político y de lo que representa interpretar al país desde el punto de vista estético. Ya reconocemos un personaje histórico como lo es Zamora: o lo que significa en la imaginaria política y cultural del país, por tanto, identificamos su influencia en el público. Es aquí donde me quiero detener, a partir del público tenemos que establecer el análisis interpretativo de esta obra, puesto que éste, el público, complementa el sentido que se le quiere otorgar al espectáculo, cuando el espectador interpreta el relato teatral de un hecho muy vivencial: el llano, como fenómeno cultural que le pertenece. Ya, en ese momento, es una tendencia estilística nada fácil de llevar a cabo si queremos evitar el lugar común.
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Enviado por TeatroenMiami el Tuesday, 20 March a las 12:20:43 (2159 Lecturas)
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 | Venezuela: Johnny Gavlovski y sus brujas |
Juan Martins | www.TeatroMundial.com, Venezuela
La pieza «La Bruja» de Johnny Gavlovski, es una estructura de lo épico que se nos hace, en el rigor de la lectura, un poema dramático. Siendo así la cadencia y el ritmo estructuran la sintaxis de un diálogo que se hace poema, conformidad lírica. Esa forma del poema dramático se presenta en el texto: el rezo constante le confiere el ritmo a la pieza, con la idea de crear una ruptura con la historia. Es un llamado que se utiliza como recurso ante el espectador. De allí que se construye lo sonoro mediante la situación que ofrece el rezo como tal. Si tiene una finalidad religiosa, también la tendrá estilística para el fin del drama en sí. El rezo constituye parte condicional de los personajes: personajes que pertenecen al siglo de la inquisición alemana. Introduce entonces este elemento histórico como excusa para tratar el género del terror: la muerte y la enajenación ideológica, representada en el aspecto religioso en toda la trayectoria, escena tras escena, de la pieza. Se introduce lo histórico: el juicio inquisidor a una madre e hija acusadas de herejía y hechicería, pero el asunto termina siendo más cotidiano y hasta cercano cuando los personajes deciden relevar su inmediación entre uno y otro. Cuando las pasiones personales son los verdaderos motivos de la historia y de qué se nos dice realmente entre líneas. Se usa el recurso de lo literario para conseguir una pieza teatral rítmica y de estructura teatral.
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Enviado por TeatroenMiami el Tuesday, 20 March a las 12:20:19 (1040 Lecturas)
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 | Venezuela: El muro entre nosotras |
Juan Martins | www.TeatroMundial.com, Venezuela
Ladrona de almas es el título de la obra que se nos exhibe en la sala «Ana Julia Rojas» del Ateneo de Caracas, en una versión del escritor checo Pavel Kohout del cuento El muro entre nosotras de la escritora polaca Tecia Werbowska. Representada por las actrices Marialejandra Martín como «Irena» y Elisa Stela en rol de «Sofía» respectivamente, bajo la dirección de Rodolfo Boyadjian. En la que hay que destacar de antemano la cuidada dirección de actrices que se nos presentan con esta opción de las artes escénicas en Venezuela. Debemos preservar entonces dos niveles de la propuesta que se nos diferencian. El primero, en tanto al tratamiento actoral propiamente y, en segundo lugar, a lo que se refiere a la puesta en escena en general y el espacio escenográfico que ocupa.
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Enviado por TeatroenMiami el Tuesday, 06 March a las 13:45:15 (849 Lecturas)
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 | Venezuela: Antropofagia a dos actores |
Juan Martins | www.TeatroMundial.com, Venezuela
La pieza «Antropofagia», Primer Premio en el VII Premio de textos dramáticos SERRANTES, 2006 de Domingo Palma se suscribe en un teatro que he venido definiendo como «teatro de lo urbano», en tanto a la estructura del drama y la composición de los parlamentos. Esto quiere decir que los personajes se definen en la modalidad del parlamento, en su edificación como lenguaje: el ritmo, el uso del habla, los giros lingüísticos quieren conferir ese sentido en el drama. A su vez es la manera en que Palma se entiende con el teatro y cómo admite el hecho de escribir para el teatro. Entiende que es, y no otra cosa, el lenguaje quien aporta las condiciones de esa escritura. El ritmo será entonces quien contribuya para esa teatralidad que busca todo dramaturgo. También es un modo de constituirse en su concepción de la literatura. Le interesa narrar, pero aquí la narración está sujeta a las exigencias del drama, del ejercicio escritural en el teatro. Quizá no sea casual el hecho de que subtitule la misma con la frase «Obra de teatro para dos actores». De antemano nos anuncia —si consideramos que todo signa y tiene sentido en el texto dramático— las condiciones con las que nos vamos a encontrar en, éste, el texto.
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Enviado por TeatroenMiami el Tuesday, 06 March a las 11:44:06 (1984 Lecturas)
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 | Venezuela: Introito (preconceptos para el actor)* |
Juan Martins | www.TeatroMundial.com, Venezuela
Alberto Ravara dispone de su técnica en preocupación por el actor. Entiende que este actor debe desarrollar sus capacidades en tanto al texto que éste va a interpretar. Detengámonos por un momento en estos niveles de la interpretación: sabemos que el actor lee la pieza en función de su representación. Ahora cada lector-actor le imprime sus condiciones: el nivel cultural, la capacidad de recepción que tiene para conceptualizar, su visión de mundo. Es decir, no hace una lectura alienada, sino que se detiene en los signos, por lo que registra semánticamente la estructura de esa lectura. De acuerdo a una nueva crítica para el teatro, elabora entonces, el actor, una interpretación semiológica del texto (ver más adelante). Así tenemos un actor que registra sus cotas de lo cognoscitivo ante el texto: extrae de él sus registros para establecer los signos del mismo que interpretará para su representación, permitiendo que el enlace entre representación e interpretación sea o cada vez más estrecho a la hora que ocupen el espacio escénico de lo que será la obra teatral como tal.
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Enviado por TeatroenMiami el Tuesday, 06 March a las 11:10:31 (1302 Lecturas)
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 | Festivales: Mi plegaria |
juan martins - www.TeatroMundial.com, Venezuela
Mi plegaria escrita y representada por Gladys Prince, acompañada a su vez por Daniel Jiménez en el piano con el grupo «Proyecto Azul», en el marco del «6to. Festival de Teatro de la Colonia Tovar». Nos demuestra que lo testimonial puede trascender en el hecho estético, puesto que, en esta segunda oportunidad que pude verla, noté cómo este espectáculo ha tenido consigo un proceso de construcción y rigor en la puesta en escena. En aquella ocasión había observado como el hecho actoral (magistralmente representado), junto con la puesta en escena, se imponía por encima de lo dramatúrgico. El espectáculo se nos organiza desde la impronta actoral y su director (Gregorio Magdaleno) conduce concientemente esos aspectos estéticos, teniendo para el espectáculo aquellos valores que le son correspondientes a las condiciones de su funcionabildad interpretativa. Es decir, la actriz hace una interpretación semiológica del texto para tomar de él aquellos elementos emocionales que le permiten desplazar discursivamente lo que entiende por actuación: una relación orgánica entre el escenario y el público: lo que sentimos del personaje, «Susanita Aguijón Salcedo» es de alguna, y en el rigor de esa actuación, un proceso racionalizado en la conducción de la voz, el movimiento y el desplazamiento. Desarrolla su representación desde esos niveles de la emoción. Así que su «dolor», se nos hace nuestro «dolor», su fe, su manera de hacerla sentir, se transfiere en una metáfora de lo femenino (en la mejor acepción de la palabra) que se conduce, inexorablemente, por el público. Por esa razón el público acompaña emocionalmente el espectáculo. De eso está conciente Gladys Prince y lo sostiene estéticamente. Y debo decir que en esta oportunidad se acentuaron los elementos rítmicos que se comunican con el público. Así, toda obra es un proceso de construcción de una función a la otra, evoluciona en la estructura del espacio escénico. Por eso es símbolo, construcción semántica.
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Enviado por TeatroenMiami el Tuesday, 19 December a las 18:05:48 (975 Lecturas)
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 | Venezuela: Reiteración del signo |
juan martins - www.TeatroMundial.com, Venezuela
En esta segunda oportunidad hemos podido disfrutar, en el marco del 6to. Festival de teatro de la Colonia Tovar, de «El Rey Glotón», basada en «Un día en el reino de Bambina» de Alberto Ravara, dirigida por éste y adaptada por José Rodón, director de la agrupación «ATAE». No sólo disfrutamos sino que confirmamos la experiencia de este grupo ante el compromiso del discurso infantil, su tratamiento y el lugar que le dan al espacio escénico como definición estética. Se presentaron en la plaza de esta población, pero, la misma, estructuraba el contexto de lo escénico como formalidad del uso del cuerpo y de lo que se entiende como espectáculo infantil: la necesidad de improvisar como uso de lo intuitivo que deviene en sentido y comunicación. Es decir, el contexto de una plaza hace, si no difícil, complejo la representación y la proyección del discurso. El público necesita introducirse en los diálogos y el ritmo de la obra de una manera diferente como cuando lo hace en una sala tradicional.
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Enviado por TeatroenMiami el Tuesday, 19 December a las 17:02:39 (995 Lecturas)
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 | Venezuela: Un brindis por la paz |
 Un brindis por la paz ha sido el espectáculo que pudimos ver en la noche de apertura del «6º Festival de Teatro de la Colonia Tovar», dirigida y escrita por Alfonso López, interpretado para la representación por Carlos Louise quien a su vez lo hace en su condición de cantante, al escenificar canciones de Louis Armstrong mediante el piano. En este sentido queda consolidada la interpretación musical que hace de éste. Al punto que tenemos con nosotros un divertimento al que me atrevo agregarle algunos adjetivos como los son lo exquisito, rítmico o alegre. Ahora esto lo consigue al momento que se incorpora el texto como unidad dramatúrgica de este divertimento. Lo califico así, puesto que la dirección lo asume y nos lo da con esa formalidad: no pretende ser un musical pero alcanza la experiencia de una comedia bien estructurada en signos gestuales y de la voz que nos induce hacia el personaje: el actor nos deja llevar por el sonido de la voz, nos proporciona el temple de su voz, tanto musicalmente como al personaje se refiere. Cuando el texto se nos da como parte del incentivo, el monólogo se compone en la sintaxis del relato teatral: La historia nos conmueve, nos hace parte de ella. Escuchamos esa historia en la voz de un «negro» (en el mejor sentido irreverente de la palabra), en su hablar y en el ritmo particular de una vida como fue la de Louis Armstrong. Y todo, a través de ese signo que es la voz, se nos estructura en forma de comedia, insisto, de divertimento, también de musical. Este hecho musical no quiere asentarse por encima del teatral, en cambio, el relato busca descubrir aquel lugar de teatralidad que le exige la puesta en escena. Estamos ante una comedia de excelente representación y, por consecuencia, eficaz en comunicación con el público quien se aliena a su relación actor-texto-público. El actor-músico lo estructura y lo compone así en su constante acierto musical, incluso, en cómo determina la gestualidad y el sonido gutural que le fue característico al personaje como uno de los grandes hombres del Jazz norteamericano. Y eso lo sabemos todo, pero aquí se corporiza desde su interpretación orgánica, sentida y cubierta en el espacio escénico.
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Enviado por TeatroenMiami el Tuesday, 19 December a las 14:48:18 (902 Lecturas)
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 | Venezuela: La ética de lo orgánico |
Juan Martins | www.TeatroMundial.com, Venezuela
Miguel Torrence nos trae la experiencia con el espectáculo «Sucre, ética y muerte», escrita y dirigida por éste para la «Compañía Regional de Teatro de Carabobo». Debo decir de entrada que ha sido uno de los mejores espectáculos que pude ver en el XXIV Festival de Occidente. Para decirlo, con todo el riesgo que ello significa, debo hacer el análisis en dos niveles. En primer lugar, al que debe referirse a la estructura actoral con la que fue representada: el espacio escénico se compone desde una actuación, en cada uno de los actores y las actrices, orgánica y estructurante en esa relación conceptual del uso del cuerpo. Al señalarlo así nos estamos comprometiéndonos con una estilística y una modalidad teatral con la que pocas veces nos encontramos. Es decir, algunas veces la puesta en escena nos llega configurada, en su mayor parte, por las formas externas del espectáculo: el espacio escénico, la iluminación y el diseño hasta detallar poéticamente la actuación. En este caso el proceso se invierte: es lo orgánico lo que postula y define estéticamente. Creando una actitud ante el teatro que hoy poco vemos. El actor como unidad de significado y diagrama totalizante de la realidad escénica. Así que las emociones del actor se racionalizan mediante el personaje con quien construye su representación y a la vez instiga al cuerpo: el gesto, el rostro, la voz, el movimiento son signos que alcanzan el sentir, a las emociones y, con ello, las sensaciones se conceptualizan a través de aquella racionalización del actor, otorgándole conciencia al uso del espacio escénico, insisto, a la realidad escénica.
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Enviado por TeatroenMiami el Tuesday, 12 December a las 19:47:01 (874 Lecturas)
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 | Venezuela: En la sombra de la teatralidad |
Juan Martins | www.TeatroMundial.com, Venezuela
La teatralidad sería, lo que, en la representación o en el texto dramático, es específicamente teatral en el sentido en que lo entiende, por ejemplo, A. Artaud cuando constata el rechazo de la teatralidad en la escena europea tradicional - PATRICE PAVIS México nos trajo para el XXIV Festival de teatro de occidente el espectáculo «Espectro… familiares y cortantes» el cual caracterizo de compleja y lograda teatralidad. Y aquí defino este término como aquello que compone teatralmente cualquier espacio al que se le introduce disciplinas estéticas diferentes: el canto, la poesía, la imagen mediante las artes plásticas y el efecto mediático. Todo, se recoge en el espacio escénico, irrumpe sobre una plasticidad que acompaña a los ritmos poéticos, a la estructura literaria la cual se establece en la selección de los textos que, a su vez, no quieren trascender en lo dramatúrgico sino sobre la vitalidad del poema, de lo literario propiamente y no entorno a la sintaxis del relato teatral. Es decir, lo teatral se nos da por la formalidad del poema y su musicalidad. También por el drama (al incorporarse los textos de Bertolt Brecht), pero siempre acompañado por el ritmo de lo poético, de lo escritural, aun, las escenas se componen como estrofas o cuerpos de imágenes estructuradas en aquellas condiciones formales del poema: el temple de ánimo, el ritmo, la melodía y la metáfora que de alguna manera configuran lo verbal de la poesía cuyo contenido adquiere aquí, en cambio, modelo de lo escénico. De allí la concepción muy particular de la puesta en escena de Armando Holzer.
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Enviado por TeatroenMiami el Tuesday, 12 December a las 19:46:33 (968 Lecturas)
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 | Festivales: Emotividad de la casa |
Juan Martins - www.TeatroMundial.com, Venezuela
La Casa Vieja de Abelardo Estorino, representado por al agrupación cubana Teatro D´DOS, nos introduce en una experiencia en la que el actor protagoniza el espacio teatral, construye sus significados desde la misma corporeidad del actor. Esto quiere decir que la progresión dramática del espectáculo se desarrolla en las relaciones que establecen sus actores con la anécdota y con los personajes cuando se nos conduce por medio del rigor dramatúrgico.
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Enviado por TeatroenMiami el Monday, 27 November a las 15:02:13 (730 Lecturas)
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 | Venezuela: Miguel Vicente Pata Caliente |
Juan Martins - www.teatromundial.com Venezuela
Cuando se trata de espectáculos infantiles hay que analizarlos (si se me permite el término) desde dos perspectivas. En primera instancia, está el uso pedagógico que se le da al entretenimiento y en segundo, el valor artístico y cómo se compone para el colectivo. En este caso la obra Miguel Vicente Pata Caliente, versión y dirección de Robert Thompson para la agrupación «Teatrilandia», destacó el valor pedagógico el cual tiene por inspiración el cuento del destacado narrador venezolano Orlando Araujo. El cuento en sí es ya una fortaleza y garantiza la direccionalidad pedagógica de esta propuesta.
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Enviado por TeatroenMiami el Monday, 27 November a las 15:01:31 (1098 Lecturas)
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 | Festivales: Heterodoxia en el Soho |
Juan Martins - www.TeatroMundial.com Venezuela
La experiencia de «Marx en el Soho» , de Howard Zim y dirigida y representada por Michaelis Cué en el rol de «Marx» nos mostró una capacidad actoral integrada a un marco de lo ideológico y el nivel pragmático del lenguaje, puesto que el mundo de las ideas se arriesga a que tome lugar en el escenario, a que se vaya (des)construyendo en el espacio teatral. Sobre todo cuando se trata de un autor cuyo oficio de escritura es el ensayo político. Ahora bien, el actor le otorga a esta pieza esos niveles de interpretación que se necesitan para que se desarrolle el espacio escénico y, por consiguiente, la representación actoral. Entonces es cuando aquel conocido esquema de Meyerhold en el que el autor se diagrama en una línea que va desde el texto hasta el público se evidencia como importante a considerar. En ese desplazamiento toda buena actuación tiene la responsabilidad de comunicar y dramatizar esa relación del texto. Es lo que hace del teatro una dinámica de corporeidad que le provee sentido al espectáculo.
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Enviado por TeatroenMiami el Monday, 27 November a las 12:13:38 (699 Lecturas)
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 | Venezuela: Con apariencia de Clon |
Juan Martins - www.TeatroMundial.com, Venezuela
Con la experiencia del espectáculo «Yo también quiero estar en el circo del sol» (Teatro Escena), dirigida y escrita por Aníbal Grunn, nos encontramos con un evento pleno de imágenes que componen un espacio escénico rico en escenas e imágenes que le dieron continuidad a lo que nos tiene acostumbrados el «Circo del sol». Pero para nada quiere estructurar algo similar, sólo pretende recoger estas imágenes para el público infantil. Y lo logra. La continuidad de una escena en otra emocionó al público infantil y a quienes estábamos allí disfrutando de esos niveles de la emoción y que cada actor supo instrumentar mediante el ejercicio escénico y acrobático que permitieron el entretenimiento constante y continuo. Es un espectáculo hermoso, pero también conciente de lo que significa entretener al público infantil.
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Enviado por TeatroenMiami el Monday, 27 November a las 12:12:20 (713 Lecturas)
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 | Venezuela: Lo moderado de la memoria |
juan martins | www.teatromundial.com
Reverón escrita y dirigida por José Gregorio Cabello, en la representación actoral de José Luis Lugo como “Reverón” se nos presenta (en el marco del Primer encuentro de Artes escénicas de Lara y edición de su I Certamen) como una propuesta lúdica y de plena relación con el discurso del género infantil. El tratamiento que hace su autor en lo biográfico comunica una relación con el espectador que si bien quiere ser estética lo es también pedagógica: los espectadores disfrutamos, desde ese tratamiento con lo infantil, con la participación del niño como unidad estética, de un espectáculo que nos dice de un artista plástico, de un artista nacional quien de alguna manera ha sido “olvidado” por las autoridades y que se rescata en una memoria de lo escenificado y de la puesta en escena. Pero esa ambición estética se exhibe con sumo cuidado en toda su progresión dramática: el texto registra aquellas situaciones que en la vida de Armando Reverón alcanzaron elementos de humor, gracia y fantasía cuando procede mediante los códigos del teatro infantil. Y trasciende en esa búsqueda conceptual cuando logra, mediante el discurso, establecer una función con la imagen y los recuerdos de un personaje que ha sido emblemático en la historia de las artes en el país. Lo constituye sobre la imagen y lo logra sin excesos.
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Enviado por TeatroenMiami el Tuesday, 14 November a las 13:18:13 (689 Lecturas)
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 | Festivales: En cuerpo del mundo |
Juan Martins | www.TeatroMundial.com
He disfrutado de un trabajo sólido y conmovedor en el II Festival de Teatro de Mar del Plata con la obra “Un único mundo” escrita por Gabriela Fiore y Leandro Calderone, bajo la dirección de Gabriela Fiore y en la representación del actor Carlos Vignola, cuando nos encontramos con una actuación que incorpora el cuerpo como unidad de signo y le otorga al espectador una narrativa que nos mantuvo en “tensión” e imperecederos en la historia de lo que se nos contaba mediante una narrativa bien limitada en su dramaturgia.
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Enviado por TeatroenMiami el Wednesday, 01 November a las 11:57:42 (886 Lecturas)
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 | Festivales: De la caricia de Héctor Presa |
Juan Martins | TeatroMundial.com
En el marco del II Festival Iberoamericano de Teatro de Mar del Plata, se presentó la agrupación “La galera encantada” con el espectáculo infantil “Historia con caricias”, versión libre de Héctor Presa sobre el cuento de Elsa Borneman y dirigida por éste, líder de esta agrupación con un espectáculo impecable en su dirección y propuesta actoral. El hecho narrativo se condujo desde una representación coherente con los signos del teatro infantil. Lo que se nos contaba, nos inducía la historia mediante los colores y el tratamiento musical de la puesta en escena, sin mayor ambición que no sea el canto hacia el niño.
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Enviado por TeatroenMiami el Wednesday, 01 November a las 11:50:25 (889 Lecturas)
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 | Venezuela: De cuerpo en historia |
Juan Martins | TeatroMundial.com, Venezuela
Montserrat de Emmanuel Robles es una pieza escrita en términos clásicos. Así nadie pone en duda su alcance dramático: la progresión, el ritmo, la sintaxis del relato y su estructura nos permite decirlo. Más allá de lo que pueda anunciar el programa de mano en el día del estreno –—muy esperado, por lo demás, este regreso de Román Chalbaud al contexto teatral venezolano—, el texto se suscribe como coherente e irreverente, en el que los personajes, bien escritos, son la unidad y el sentido general de la obra (me refiero al rol que cumplen en el relato). Y sabemos que esta condición de los personajes es lo que lo hace ser un clásico como quiero decir. En el que el héroe tiene un compromiso con la historia y consigo. La selección del texto es ya, por sí misma, un mérito y, en el contexto político venezolano, un compromiso. Claro, lo sabremos mejor cuando tengamos una dirección responsable y cónsona con lo que exige su puesta en escena. Sin lugar a dudas que este es el caso.
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Enviado por TeatroenMiami el Tuesday, 03 October a las 17:08:13 (786 Lecturas)
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